梵高记忆

怎么喜欢上的呢，是他对色彩的理解还是对感情的宣泄。
喜欢从来不讲道理，非得量化的话，那就是因为，他的画太美了，只要仔细一点，就可以看见他的画是流动的，带有丰富感的，他是个天才，时代在他后面追赶他，直至现在都没有追赶上，唯一可惜的一点是，他希望自己的画卖出去，要是有灵魂这个东西，他或许能开心一点。

  关于梵高，许多人都停留在割耳事件上，仔细去了解一下，他的精神世界敏感又脆弱，世人说他是个疯子，有些时候，极品的创作需要一点正常之外的世界，他在一生中很少影响别人，梵高，好像注定孤独。

  又好像太孤独，以至于死亡对于他来说都是一种解脱，他留下的画作让世人震惊，为什么梵高离世后人们才意识到向日葵的美丽，遗憾。

  梵高先生的挚友兼亲人，他的弟弟，给予他的支持是任何人所不能及。不被人理解在梵高的世界中是一件最为痛苦的事情。但有了弟弟的支持，他也有了更多留下美好的机会。人们好像对天才这个事情十分执着，认真读读他的传记，会发现，天才只是个噱头，梵高先生对色彩，素描的痴迷是大部分人不能达到的，所以，他们给他安上天才这个称号，心安理得，从不去看梵高背后的故事。

  其实，这样简单前去欣赏一下就已经足够，可我不够甘心，一千个人有一千种解读梵高的方式，我希望他们觉得梵高是美，是维纳斯般的存在，我用我的思路来写梵高，先生就是迷人至极。

  从星月夜说起的话，梵高的迷人制高点：关于他当时的精神状态我们无需多种讨论，只需要感受其画作中带来的美感就行，“在这幅画中，梵高用夸张的手法，生动地描绘了充满运动和变化的星空。整个画面被一股汹涌、动荡的蓝绿色激流所吞噬，旋转、躁动、卷曲的星云使夜空变得异常活跃，脱离现实的景象反映出梵高躁动不安的情感和疯狂的幻觉世界。”这是百度百科里面的一段评价，梵高在写给弟弟的书信中曾提到：自己并不喜欢真实的描绘世界，更喜欢用自己的方式来去表达自己所看到的画面，他创作这幅画用了许久，但是一开始就想好要去理解这篇天空，美丽又孤独的天空，有怎么样的心境就会有怎么样的看法，任何人都是无法完全理解对方的，只有本人知道。我们从艺术分析层面来讲的话，这幅画的主题是：不是想用浩瀚的宇宙来反衬出人类的渺小，令人类生出畏惧之心，而是传达出一种不向命运低头的精神。天空中飞卷的星云，好像在旋转着跳舞，好像鲜花一样怒放，那柔韧的枝条虽然力量微薄，却无畏地抽向天空。而直上云端的巨大柏树，形如一团黑色的火舌，不屈地奋力伸展着枝叶。传达出作者内心的苦闷和忧郁。也表现出人类的挣扎与奋斗。这阅读理解一般的文字透析着作者的生命。从构图上来说，该画面构图极为准确，画中以树木衬托天空，下部的房舍托起了无边的宇宙，以获得构图上微妙的平衡。特别是那些柏树的线条画得流畅而别具一格，正如梵·高自己曾描写的那样：“那些柏树总是占据着我的思绪——从来没有人把它们画得像我看到它们的样子，这使我惊讶。柏树的线条和比例正如埃及金字塔及尖碑那么美丽——在晴朗的风景中的黑色飞溅。”在绘画技法上，梵·高接受了前期印象派的某些特点，不是用简单的线和面来表达物体。而是用点来表现物体的光影，达到了传统画作无法达到的效果。同时，他又注重采用夸张和对比的方法，给光影添加动感。前景中以短促清晰的水平线笔触描绘出来的小镇，与画面上部呈主导趋势的曲线笔触，形成了强烈的对比。教堂的细长尖顶与地平线的交叉，柏树的顶端恰好拦腰穿过旋转横飞的星云，这一切都使画面产生出一种流动的感觉。这幅画的色彩主要是蓝和紫罗兰，同时也有星星发光的黄色，深蓝色的基调，给人以沉重的感觉，加强了夜色的黑暗，前景中的柏树用了深绿和棕色，意味着黑夜的笼罩。明亮的白色和黄色来画星星及周围的光晕，又给人一种温暖光明的感觉。梵·高运用浓厚并且短促的笔触，交织成弯曲的旋转线条，海浪般的图形使画面呈现出炫目的奇幻景象，画中旋涡状的天空与平静的村落形成对比。在大面积冷色调的流动星云中，一轮橙色的月亮散发出亮光，仿佛明灯般点亮了沉寂的夜宅，奇幻的色彩给人留下深刻印象。整个画面着色搭配协调。浓淡相宜，深浅适中，很好地配合了画中的氛围。

   其中不得不讲的部分应该是他所喜欢运用的一种手法：色彩互补原理，色彩中的互补色有红色与青色互补，紫色与黄色互补，绿色与品红色互补。在光学中指两种色光以适当的比例混合而能产生白光时，则这两种颜色就称为“互为补色”。补色并列时，会引起强烈对比的色觉，会感到红的更红、绿的更绿。在突出他浓烈情感的部分，他的画作色彩鲜艳且对比强烈，不得不惊叹他的天赋，同时也无法忽略他殷实的基本功，我说了，只要你愿意认真了解一下梵高，就会知道在早期，他绘画的技术和大多数人一样，并没有特别出众之处，只不过他不是大多数，他早些年绘画的素描和水彩为他后来的油画作品做了许多有用的铺垫，唯一能与大多数不同的一点就是：他用铅笔描绘的世界最开始就是幻想中的世界，不是写实，现代人称他为后印象派大师，他的幻想中蕴含的情感丰富多彩，每个人都有不同的解读，都可以品味出不同的情感倾向。

   星月夜中最出彩的部分，是关于色彩流动的部分，他一直都是在时代的前面奔跑，就像画中的星空一般，永远是流动的，拥有着生命的活力。

  《唐吉老爹》是梵高在巴黎时期的肖像画代表作。这幅肖像是梵高最幸福的一个时期创作的。当时他参加巴黎画家的茶话会，认识了许多其他印象派大师。唐吉老爹深受大家的喜爱，他算是梵高的一个知音，他喜欢梵高的画，并且允许梵高赊购商品，其中不乏大料的颜料用品，梵高对唐吉老爹感激不尽，创造了此画，这幅画色彩鲜艳，人物刻画活灵活现，不难看出唐吉老爹和蔼可亲的样子。

  整幅画面都是暖色调，最引人注目的是这幅画的背景，里面有梵高喜欢的浮世绘，说到此处，不得不说一下梵高对于浮世绘的喜爱，19世纪80年代后期，日本艺术风靡欧洲，影响了一系列画家的浓烈兴趣，梵高先生受浮世绘的影响巨大，他也曾临摹过浮世绘许多作品，在唐吉老爹的店铺里，艺术家们都可以得到相应的回复。梵高在画唐吉老爹时，同时也在表达着他对浮世绘深深的喜爱与欣赏。

  梵高画过许多肖像画，有自己，有别人，这幅《唐吉老爹》中的梵高是开心的，快乐的，明朗的，是积极向上的，是拥有爱的，我很喜欢梵高的一句话:你永远不知道这里的天空有多美，希望我的画能告诉你。谁不能沉迷于梵高对于色彩的掌控和线条的清晰，看似毫无道理却又觉得一切顺理成章，细细品味或许能感受到唐吉老爹对你微笑，对你说话的一瞬间。

  梵高是一位色彩主义画家，他对色彩的偏好几乎达到了一种癫狂的状态，这虽然与他的精神疾病有着一定的联系，但是也不能否认梵高对于色彩的创造性的发现和表现。他的画作中的色彩都是较为奔放、夸张的，这也深深地影响了20世纪的表现主义和野兽派绘画。具体而言，梵高画作中奔放的色彩主要表现在以下三个方面:第一，用光亮明快的夸张色彩进行装饰。受新印象派画家毕沙罗、修拉等色彩技法的影响，梵高摒弃了绘画初期暗浊、沉重的色彩，开始采用一些高明度、高纯度、高亮度的色彩，创作出了一种极具现代感和时尚感的色彩装饰效果，他的油画也因此越发鲜亮起来。在所有的高纯度、高亮度的色彩之中，梵高最偏爱黄色，简单明了的黄色带有另外一层寓意，即象征着太阳和大地，代表着光明和希望。在黄色的带动之卜，梵高绘画作品的色彩明度和纯度对比都十分鲜明，产生了一种光亮明快的装饰美感。例如，梵高的《向日葵》就是以大面积的黄色作为主要基调，然后配以土黄色、柠檬黄及中黄色等，使观众产生一种五彩缤纷、璀璨炫目的视觉感受，也表现出了梵高对美好生活的向往。第二，用大色块的对比进行装饰。在装饰色彩中，大色块的并置对比是一种非常重要的表现手法，虽然这一表现手法早在梵高之前就己经提出，但在梵高的绘画中得到了最淋漓尽致的表现。梵高画作中的对比色常常是大块的且较为平整的，既简化概括，又能够增加画面的厚重感，而且借助色块的对比还可以产生一种和谐的视觉效果。例如，《夜晚的咖啡馆——室外景》就是用大色块的对比色进行装饰，黄橙色的灯光和深蓝色的夜空相互对比，使画面产生了一种纵深感，同时也生动地描绘出了人们的夜生活。第三，用绝对的黑白色进行缓冲。在绘画过程中，梵高除了追求画面色彩的明亮欢快及色块对比之外，还经常用黑白色来缓冲、协调色彩，其常常和对比色出现在同一个场景中。以《播种者》为例，画面分为上、下两个部分，上半部分是鲜亮的黄色，下半部分是明亮的紫色，两种颜色对比非常强烈，过渡也比较直接，会对受众的眼睛产生刺激。而梵高将画面中播种者的长裤画为白色，在黄色和紫色之间产生了一个隔断，受众的眼睛也得以获得片刻的休息。

  早期梵高接触画画时，就已经表现出超出凡人的天赋和才华，只是那时的他一边被生活所迫，一边还要忍受着不被人理解的痛苦。幸好他的弟弟百分之百支持他，给予梵高金钱上的支持和精神上的支持，这点很重要，梵高在学校呆的时间并不多，但他在学校并不愉快，虽然学了很多的东西，但是大部分时间他创作出来的画作都被老师批评说不够生动形象，梵高在书信中告诉弟弟，其实并不是自己不愿意好好画，只是按照自己的思想和感受在画。自然而然，这样的学生是不会让老师喜爱的，梵高了解到基本的绘画技巧后以飞一般的速度离开学校。可他的素描和水彩一样出色。

  只不过他爱颜色的浓烈，就像他本人的感情色彩也十分浓烈，我们知道，每个人都是立体的，不是单单只有一面，就像我昨天才了解到灯泡不是爱迪生发明的一样，而且人品也不太好。越了解梵高其实越知道他是一个活灵活现的人，有七情六欲，更多的时候是拥有不被人理解的悲痛。割耳事件是人尽皆知的事，曾看记录片，里面验证了梵高确实割了耳朵并把它送给了自己喜爱的一个姑娘，在纪录片中，梵高割耳事件很大原因就是因为梵高对高更的情感无法疏泄导致的，加上常年饮酒并且精神不稳定，梵高在某一夜晚与高更发生激烈争吵时割下来自己耳朵，并且送给了一个女孩，为了给梵高加上一丝色彩，把那位女孩称作妓女，画家的七情六欲我们管不着，可这就是明摆着的抹黑，他一辈子为了证明给父母看自己的能力，到头来还是不被人理解，唯一理解他的弟弟两人却无法在同一间房子里面真正的相处，到后来梵高枪击自杀后，本来有机会做手术的梵高，觉得自己活在世界上就是个累赘，你可以说他自命清高，自傲不凡，也可以说他悲天悯人，胸怀博爱，这些影子在他身上都找得到，我最终被他的善良所吸引，本性不恶，不被人理解始终是个难题。

  他爱去的那个咖啡厅，被他画过几次，颜色昏暗，给人一种坠落的烂俗感，但是同时他又是梵高精神寄托之处，他不喜欢那里，却又迷恋那里，或许能带来一丝的精神缓解都是对他的眷恋，《夜间咖啡馆》在写给提奥的信中，他写下了创作本画的意图:"这就是他们在这里的所谓午夜咖啡馆……夜游者如果付不起住宿费，或烂醉如泥，到处被拒之门外，都可以在这里落脚。我想在这幅画中……表现咖啡馆是一个使人堕落，丧失理智或犯罪的地方。因此，我选用淡红、血红、酒糟色，与路易十五绿、石青、橄榄绿以及刺眼的青绿形成强烈对比……造成一种气氛，好似魔鬼的硫磺火炉，以表现下等酒店里阴暗的力量。……这幅画中的咖啡厅，是个可能令人身败名裂、精神错乱、甚至犯下罪行的场所，我努力想把这一切呈现出来。……人们沉沦在地狱漩涡般的气氛中。"

  绿色的天花板，红色的上半部分墙壁泛着亮光，黄色的汽灯和地板，整个画面有着强烈而生动的色彩对比。

这幅作品色彩耀眼，梵高有意使用这种色调来表现令人忐忑不安的场景。为了强调房间的纵深感，他选择了高视点，透视线非常精确。黄、绿色点染的晕圈渲染了煤气灯放射的刺眼光线，其强度感到难受。

这幅画采用高视点，并以台球桌为中心展开放射状的景物安排。画中运用透视法的原则，黄红绿三色互补，同时使整个画面产生压迫感。冷清的咖啡馆中，人物散坐在屋内两侧，寥寥可数，越发呈现出咖啡馆内空荡荡的气氛。老板站在偏离中央的地方，孑然一身，在这间大屋子里，看上去格外渺小，这个不祥之地弥漫着凄凉和孤寂的气氛。

《夜晚咖啡馆》采用强烈而刺激的颜色，是梵高描绘室内的画作中最具有力度的。嗜酒的梵高对夜间各个角落十分熟悉。咖啡馆内的摆设笨重庞大，占据了大部分画面，相形之下，人物显得渺小而无足轻重。画家以此来突显人物的孤独感。从天花板射下的灯光，被照亮的后门，灯下绿色球台桌呢面和地板上的阴影，这一切给画面带来了生气。梵高的几何形构图，像他的用色和选择主题一样，都以唤起人的情感为目的。图中红线表明他如何运用透视。

这幅画是由绿色的天花板、血红色的墙壁与不和谐的绿色家具组成的梦魇。金黄色的地板呈纵向深远的透视，以难以阻挡的力量进入到红色背景之中，反过来，红色的墙壁背景也以均等的力量与之抗衡。而天花板的深重蓝色压迫下来令人窒息。他告诉提奥“我画《夜间咖啡馆》是想表现一种想法，即所谓的咖啡馆就是让人沉沦、发狂和犯罪的场所”。

这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。

  梵高画画更多是一种感情的宣泄，是一个疯子的世界也是一个情感者世界。

  尼采说过：较为相同，较为普遍的人，一向总是占有优势，较为杰出的，较为高雅的较为独特的和难于理解的人，则往往孑然独立；他们常常在孤独中死于偶然事件，很少能繁衍下去。梵高之死可惜，但是只要他本人不后悔且可。留给后人的左右只是对他生平得议论和画作的热爱。孤独创造了画作，却害死了梵高。

  《有乌鸦的麦田》是叙述梵高孤独的一部作品，金黄的麦田和黑蓝的天空在乌鸦的连接下显得些许和谐，在此幅画作中，梵高的色彩相对于简单，色彩互补原理运用的淋漓尽致，整幅画透露出他无望的枯寂（或许只是个人看法）但是他曾在书信中描写了他的心境，说他自己是孤独且绝望的，自然那么美丽，而他找不到情感的宣泄，只能在一天天的画作中找到自己，并且越发孤独。他更希望别人叫他画家，并且是卖的出画的那种，无时无刻不想证明自己的才华，却天生我才没有用，说过许多次，他自己因为太在意他人的看法，导致一直得不到别人的理解，就算得到了别人的理解也没有办法和别人相处愉快。要是能卖出几幅画，他或许就没有那么难过，世界上没有如果。

  这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪，这种画面处处流露出紧张和不详的预兆，好像是一幅色彩和线条组成的无言绝命书。《有乌鸦的麦田》令人沉迷，却不缺少无限的冷寂。

  梵高是一个敏感且善良的人，可是一个人不能一直敏感，也不能一直善良。他的美来源于此，他的美终结于此。